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Um aus den einzelnen Gewerken ein Gesamtkonzept zu entwickeln, das in sich stimmig ist und den Funken der Begeisterung überspringen lässt, bedarf es einer Gesamtleitung, die einerseits als Bindeglied fungiert, andererseits von Beginn an eine Vision des Stückes umsetzt.

Christopher Abb kann auf zahlreiche Jahre Erfahrung als Gesamtleitung zurückblicken und arbeitet eng mit den Ressortleitungen aus Musik, Tanz, Kostüm, Maske und Kulisse zusammen, während er außerdem gemeinsam mit den Fachleuten ein Licht- und Ton-Konzept ausarbeitet. So kann aus der Menge an involvierten Menschen, statt Chaos, ein künstlerisch schaffendes Gesamt-Team entstehen. Dabei gilt es, den rund hundert Mitwirkenden während des Probengeschehens eine klare Richtung vorzugeben, in der Jede*r mit seinen individuellen Fähigkeiten seinen Beitrag zu einer facettenreichen Komposition beiträgt. Die einzelnen künstlerischen Sparten greifen ineinander und arbeiten gemeinsam an einem farbenfrohen Bild aus Musik und Visualisierung.

„Sehn wir doch das Große aller Zeiten auf den Brettern, die die Welt bedeuten“. ~ Friedrich Schiller

Musical ist große Gefühle und kleine Gänsehautmomente, eine Reise in eine ganz andere Welt. Diese Welt mit Leben zu füllen, ist die Aufgabe der Regie. Christopher Abb bereitet sich dazu schon lange vor der ersten Probe auf das aktuelle Stück vor und hat für jede Szene ein Bild vor Augen. Gemeinsam mit den Darstellenden – Ensemble wie auch Solist*innen – erwächst daraus nach und nach ein facettenreiches Bühnenerlebnis, das Publikum wie auch Darstellende fesselt und für einen Moment dem Alltag entreißt.

In der Probenarbeit unterstützt er, gemeinsam mit Regieassistenz Saskia Weinert, einerseits die Solist*innen auf ihrem persönlichen Weg hin zur Rolle. Das umfasst die Interpretation der Szene sowie das Rollenstudium und lässt den Schauspielenden die Freiheit, sich kreativ auszuleben. Aufgabe der Regie ist es aber auch, sensible Szenen zu begleiten und so zu erarbeiten, dass alle Involvierten sich wohl fühlen und ohne Scheu fallen lassen können.

Andererseits gilt es, die ausladende Bühne der Clingenburg zu beleben. Das Ensemble wird angeleitet, sodass sich für die eigene Rolle eine Geschichte ergibt, die sich authentisch in das Gesamtbild einfügt. Auf dem Schauplatz Markt kann der stattliche Musketier nur dann eine gute Figur abgeben, wenn er mit den emsigen Handelsleut und schüchternen Edeldamen interagieren kann. Ein klares Konzept und Vorstellung von der Szenerie gibt den Darstellenden die Möglichkeit, jeden Abend frisch und spontan, aber der Umgebung angemessen, zu agieren und damit jede Show zu etwas ganz Besonderen zu machen.

„Das größte Verbrechen eines Musikers besteht darin, Noten zu spielen, statt Musik zu machen.“ ~ Isaac Stern

Wie es der berühmte Geiger so treffend formulierte, geht es bei der musikalischen Arbeit natürlich um notentechnische Präzision und Abstimmung innerhalb des Orchesters, aber die wahre Musik entsteht, wenn dabei Stimmung, Emotion und Passion den Taktstock führen. Das eingeschweißte MainMusical-Orchester spielt die Original-Partituren der großen Musicals bei jeder Show live. Unter Dirigent Nico Jahn musizieren dabei rund 35 Musiker*innen, die teils schon von der ersten MainMusicalProduktion an dabei waren, teils erst seit kurzem das Stammorchester bereichern. Alle sind langjährige, teils professionelle oder ausgezeichnete, Meister*innen ihres Instruments, die dabei nie den Spaß am gemeinsamen Musikmachen verloren haben. Neben dem Notenstudium und Proben mit den einzelnen Registern, ist Nico Jahn zudem essentiell für die Kommunikation zwischen den Resorts. Er achtet auf Stichwörter aus dem Schauspiel, um dem Orchester an der richtigen Stelle den Einsatz zu geben, setzt nötige musikalische Änderungen um und verbindet so die Musik mit dem Geschehen auf der Bühne.

„Der Tanz ist eine lebendige Sprache, […] eine künstlerische Aussage, die sich über den Boden der Realität emporschwingt, um auf einer übergeordneten Ebene in Bildern und Gleichnissen von dem zu sprechen, was den Menschen innerlich bewegt.“ ~ Mary Wigman

Ganz nach dem Motto der deutschen Ausdruckstänzerin hat sich auch das Musical den Tanz zu eigen gemacht, um einerseits tiefe Zerrissenheit und Tragik visuell zu manifestieren, aber andererseits auch Gemeinschaft, Freude und Begeisterung mitreißend darzustellen. Jedes Projekt hat seinen eigenen Stil in Musik und Geschichte, der sich auch im Tanz widerspiegelt. Mal bedarf es mehr klassischer Tanztechnik aus Ballett und Volkstanz, mal darf es etwas moderner sein mit Einflüssen des Jazz, Contemporary und Steppen. Zudem greifen die Tanzszenen eng ineinander mit dem Text und den dazugehörigen Schauspielszenen, aus denen der Tanz oft motiviert wird. Dazu stimmt Tanzleitung Lucie Linke die Choreografien mit Orchester und Regie ab und unterstützt durch das wöchentliche Training die Tanzenden nicht nur bei der Erarbeitung der Beweglichkeit und der technisch richtigen Form, sondern auch beim für die Szene passenden Ausdruck und Haltung.

Ein essentieller Teil des Genres Musical ist ein imposanter Chor. Ob als fetziger Background-Gesang für eine schmissige Tanznummer, als Stimmen des Volkes in einer Revolte oder einer feierlichen Ensembleszene oder als kirchlicher Choral – der Chor verleiht durch seine Mehrstimmigkeiten und die Vielzahl individueller Stimmen einer Szene Tiefe und Brillianz. Oliver Zahn vereint dabei in sich die Fähigkeiten eines Komponisten, aus dessen Feder nicht selten noch neue Chorstimmen erwachsen, und eines motivierenden Chorleiters, der mit Freude an der Arbeit, den generationsübergreifenden Chor zu Höchstleistungen animiert. Auch das Studium der Mehrstimmigkeiten und Unterstützung zur Stimmtechnik bei den Solist*innen fällt in die Hände von Oliver Zahn.

Spätestens seit dem Einzug auf der Clingenburg gehören eindrucksvolle Kampfchoreografien zu den Steckenpferden von MainMusical. Diese einerseits auf die Musik und die kämpfenden Charaktere anzupassen, andererseits die Sicherheit aller Involvierten an oberste Stelle zu setzen, ist die Aufgabe der beiden Schwertmeister Jakob Albrecht und Jonas Ott. Zu Beginn des Projektes werden mit allen Kämpfenden die Grundlagen des Showkampfes verinnerlicht, um die Körperbeherrschung und den flüssigen Umgang mit den Bühnen Waffen zu garantieren. Möglichst zeitnah wird dann mit dem Studium und Training der Choreografie begonnen, sodass sich die Kampf-Partner*innen miteinander einspielen und aufeinander verlassen können. Während der Shows gehört es zudem zu den Aufgaben der Waffenmeister, selbige zu pflegen, bei den widrigen Gegebenheiten auf der Burg vor Rost zu schützen und ihre einwandfreie Funktion ggf. durch Reparaturen aufrecht zu erhalten.

Was in den Probenräumen noch mit Stühlen und Tischen gemimt wird, erwacht beim Umzug auf die Clingenburg durch die Bauten des Kulissenteams zum Leben. Nach der Konzeptuierung wird gehämmert, gebohrt, gesägt, gefeilt und gemalt. Die Kulissenteile müssen dabei nicht nur authentisch aussehen, sondern auch starken Belastungen durch Wetter und ggf. die Darstellenden, die sie bespielen, standhalten und ebenso handlich wie auch platzsparend sein. Jeder Zentimeter der Clingenburg wird vermessen und genau verplant.

Auf diese Weise verwandeln Philipp Weigang und sein Team die Clingenburg in ein Land aus einer anderen Zeit. Aus einem Bett oder Sarg erstehen verruchte Vampire, Spiegelkonstruktionen öffnen die Pforte zu faszinierenden Visionen und meterhohe Bühnenteile zaubern aus den Burgmauern einen wuseligen Marktplatz, ein ehrwürdiges Kloster oder eine sterile Irrenanstalt. Außerdem setzen die Kulissenmeister jedes Jahr neue Maßstäbe, die dem Publikum die Sprache verschlagen und zeitgleich oberste Sicherheitsstandards wahren: Meterlange Schiffe, die sich im rauen Wellengang wiegen, bevor ihr Mast unter Knarzen und Funkenflug bricht, brodelnde Kessel, aus denen bunter Rauch emporsteigt, Tragekonstruktionen, die Menschen in die Lüfte heben, oder Kreuze die zu brennen beginnen. Jedes Bühnenteil ist eine spezielle Maßanfertigung aus den Händen unserer Kulissenbauer!

Ein anderes Land, eine andere Epoche, gesellschaftlicher Stand, Alter und nicht zuletzt die Persönlichkeit der Rolle – all das sind Aspekte, die für die Kostümauswahl eine große Rolle spielen und sowohl dem Publikum, als auch den Darstellenden die Möglichkeit geben, ganz in das Geschehen einzutauchen. Eine glänzende Rüstung lässt Kriegerinnen und Krieger mutig in den Bühnenkampf ziehen, das bezaubernde Hochzeitskleid lässt Herzen höher schlagen und die verschnörkelten Gewandungen der Fabelwesen geben den Darstellenden den richtigen Kick, um ganz in ihrer Rolle aufzugehen.

Vom ersten Tag der Produktion an beginnt damit die emsige Arbeit des Kostüm-Ressorts. Von ausnahmslos jedem Agierenden auf der Bühne werden Maße genommen und ein stimmiges Kostümbild konzipiert, damit von der Königin im prunkvollen Ballkleid bis zum Stagehand im Hintergrund alles in die Zeit passt. Außerdem soll sich Jede*r im Kostüm wohl fühlen, um sich ganz auf Spiel und Choreografie fokussieren zu können. Der Verein MainMusical verfügt über einen ausladenden Kostümfundus, aus dem Teile wiederverwendet und umgeschneidert werden können, Vieles wird aber auch neu angeschafft, geliehen oder gar komplett maßgeschneidert. Dabei müssen die Näher*innen auch immer die Praktikabilität im Auge behalten: Wird der Darsteller sich im Kostüm viel bewegen, tanzen oder auf dem Boden rangeln müssen? Gibt es sogenannte Quick Changes, die eine zügige Öffnungs- und Schließtechnik der Gewandung erfordern, damit die Darstellerin pünktlich zurück auf der Bühne ist? Auch Reparaturen der getragenen Kostüme fordern die Kostümabteilung bis zur letzten Show.

Das Genre Musical beheimatet viele mystische Gestalten, entstellte Gesichter und Schönheiten aus anderen Welten. Den nordischen Zauberer Merlin zieren zahlreiche Ruhnen und ein langer grauer Bart, die Hexe Elphaba hat grüne Haut, das Phantom der Oper entstellt verbrannte Haut über die Hälfte seines Gesichtes und Vampire und Monster verlangen nach dem gewissen Schatten von Bosheit und Verwesung. Schminke dient hier nicht nur dazu, die natürliche Schönheit der Darstellenden zu unterstreichen, sondern teils sogar zu überdecken, um der Rolle den Ausdruck zu verleihen, den sie benötigt. Darüber hinaus bedarf es für die hell beleuchtete Showbühne einer starken Grundierung, die das Glänzen im Scheinwerferlicht verhindert und die natürliche Mimik so unterstreicht, dass die Emotion der Darstellenden auch in der letzten Zuschauerreihe ankommen kann. Die Maskenleitung muss also Show für Show bis zu 50 Menschen für die Bühne herrichten, wobei aufwendigeres Make-up teils bis zu zwei Stunden Vorbereitung benötigt.

Um die Illusion auf der Bühne zu komplettieren, darf auch das richtige Haarstyling nicht fehlen. Wo das eigene Haar nicht ausreicht, werden Extentions oder teils selbst geknüpfte Perücken verwendet, es werden Bärte gestutzt und bezaubernde Frisuren gesteckt, die zusätzlich Tanz und Bühnenkampf standhalten müssen. Dafür betrachtet Emily Flicker jede*n Darstellende*n individuell und bereitet ein Haarkonzept vor.